Berlin Panorama
ANALOG Glas
Die OMAM-Pendelleuchte, der OMAM-Beistelltisch und die OMAM-Vase bilden diese Kollektion, bei der es um das Einfangen der BEWEGUNG rhythmischer Objekte geht. Wenn sich das Glas biegt und faltet, entstehen faszinierende optische Verzerrungen; die Pendelleuchten spielen mit diesem Effekt, indem sie LICHT auf vielfältige Weise brechen und biegen. Die Vasen und Beistelltische hingegen absorbieren und reflektieren den umgebenden Raum.
Die OMAM-Serie wurde von Philipp Weber entworfen. Die Kollektion greift die natürlichen Bewegungen des MENSCHLICHEN KÖRPERS auf, um skulpturale Objekte zu schaffen. Diese innovative Kollektion verwandelt das traditionelle Glasblasen in Objekte, die menschliche Bewegung nachahmen und die FLIESSENDEN BEWEGUNGEN des Herstellers spiegeln.
In der gesamten Serie „OF MOVEMENT AND MATERIA“ krümmen und winden sich die Formen und erzeugen wunderschöne Lichtmuster, die sich über den geschwungenen Rahmen verteilen. Diese Kollektion verweist auf die Beziehung zwischen dem Hersteller und seinem Material und auf die Rolle des HANDWERKS in unserer zunehmend digitalen Welt.
Tower-Plant-Paravent
polierter Edelstahlrahmen und Aluminium-Vierkantrohre
„Dry garden & wet movables“ widmet sich einigen Widersprüchen des urbanen Lebens und untersucht die sich wandelnde Rolle der Architektur in der heutigen Gesellschaft. Jedes Element der Installation reagiert auf seine Umgebung und fordert die Besucher zum Mitmachen auf. Diese Interaktion formt fortlaufend die Szenerie aus hellblauem Papierkonfetti, das sich wie urbane Schluchten um hohe Aluminiumtürme legt. Mit der Reaktion als zentralem Element entwickelt sich der Entwurf vom rein Ästhetischen zum Performativen und liefert einen kritischen Kommentar zu den aktuellen gesellschaftlichen Verhältnissen. Die Aluminiumtürme werden von Pflanzen bewohnt, die aus den unterschiedlich geformten Fenstern sprießen. Die Gegenüberstellung dieser gewöhnlichen Pflanzen, wie man sie in jedem Haushalt findet, gleich verschiedenen Bewohnern, eröffnet eine neue Sicht und verwandelt das Alltägliche in etwas Poetisches.
Alle Objekte — bis hin zu den Bänken, die sich in modularen Sequenzen erstrecken — stammen aus demselben industriellen Halbzeug: einem Aluminium-Vierkantrohr von 150 x 150 mm. Kleine Eingriffe heben die Objekte auf Sammlerqualität: Oberflächen wie hochglanzpoliert, sandgestrahlt, handmarkiert oder mit Naturleder überzogen sowie hochglanzpolierte Edelstahl-Ergänzungen. Eigens gefertigte rote Lola-Leuchten und 400 kg recyceltes Papierkonfetti, das von großen Ventilatoren in Bewegung gehalten wird, erzeugen die Klang- und Landschaft der Installation.
Die Arbeit des Sam Chermayeff Office beruht auf der Überzeugung, dass Architektur Dinge geschehen lassen kann — und dass mit Architektur Dinge geschehen können.
Mit Büros in Berlin und New York arbeiten beide Studios an einem breiten Spektrum von Projekten, darunter Mehrfamilienhäuser, institutionelle Bauten, Ausstellungen und Möbel. Zu unseren Kunden zählen der albanische Staat, FLOS, zahlreiche Privatpersonen, Knoll, Maharam und mehrere Baugruppen — und wir schätzen diese Vielfalt.
Das Sam Chermayeff Office besteht aus zwei Partnern, Sam Chermayeff und Barbara Polakova, sowie einem multidisziplinären Team aus Architekten und Designern. Das Büro interessiert sich besonders dafür, wie wir allein und gemeinsam leben.
Illya Goldman Gubin ist ein ukrainischer multidisziplinärer Künstler mit Sitz in Berlin und engen Bezügen zu Mode und Konzeptkunst. Das Werk des Künstlers zeugt von seiner Hingabe an Authentizität und kreative Erkundung: Er umarmt die Schönheit des Unvollkommenen, bewahrt die Essenz des Mediums und führt einen fortwährenden Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, der zu einer kontemplativen Meditation über die Beziehung von Funktion, Form und Schönheit anregt.
MIGO for Benchmark
Migo ist das Ergebnis persönlicher Reflexionen in einer Zeit des Wandels und der Unsicherheit — dem Beginn der Covid-Pandemie. Es dient als Adapter für die verschiedenen Aufgaben des Tages, ob als Sitzgelegenheit, zum Anlehnen oder als Beistelltisch. Man kann es auf vielfältige Weise nutzen; es gibt kein Vorne und kein Hinten, kein Richtig und kein Falsch. Letztlich ist es ein Begleiter oder ein freundlicher kleiner Helfer. Gefertigt in der Werkstatt von BENCHMARK aus Roteiche für hohe Stabilität, lässt es sich aus einer einzigen Holzbohle schneiden — für eine optimale Maserung und minimalen Verschnitt.
DIVISION VASE
DIVISION ist ein polierter Marmorzylinder, der zum Brechen gemacht ist. Eine Kollision aus Kontrolle und Chaos. Dieser Marmorzylinder wird erst durch einen kontrollierten Schlag funktional und einzigartig. Ein Schlag in die Mitte mit einem Stahlmeißel bricht den Zylinder in zwei Teile und formt zwei Vasen. Der Akt der Zerstörung, vom Nutzer selbst auszuführen, offenbart die doppelte Natur des Marmors — scharf und glatt zugleich.
PRISM for Tecta
Eine Hommage an Prouvé mit einer kraftvollen grafischen Geste: Der Prism-Hocker streut Licht und schafft Möglichkeiten. Modularität trifft Kombinierbarkeit. Die ursprüngliche Idee für dieses Objekt stammt aus meiner Erfahrung in der Bürowelt — jenem Kosmos, in dem flexible Räume gebraucht werden, in dem Workshops und Meetings stattfinden, mal mit fünf, mal mit 50 Personen. Dieser Hocker bietet eine schnelle Sitzgelegenheit und darunter Platz für eine Tasche, Jacke oder andere persönliche Dinge. Er ist stapelbar und lässt sich in eine Ecke zurückziehen, wenn er nicht mehr gebraucht wird. Gefertigt aus 3 mm gebogenen Aluminiumblechen, nahm das Konzept eine amüsante Wendung, denn Tecta ist eine Katzenfamilie — und die Tecta-Katze zog sofort in den Hocker ein. Warum nicht?
SPOT for Le Klint
SPOT besticht durch seine einfachen und langlebigen Materialien und verbirgt nichts. Der neigbare Kopf der Leuchte mit Griff verleiht ihr einen unverwechselbaren Charakter mit nützlicher Funktion. SPOT kann auf einem Tisch oder auf dem Boden stehen, lässt sich aber auch als Wandleuchte nutzen, denn ein zusätzlicher Haken für SPOT ist im Lieferumfang enthalten. Die Idee war, eine Leuchte zu schaffen, die man durch das ganze Zuhause tragen kann. Der weiche Holzgriff unterstreicht diese Funktion. Sie ist das Ergebnis meiner persönlichen Erfahrungen: Ich bin viel gereist und habe in mehreren Ländern und Städten gelebt, was mich dazu gebracht hat, nur das Wesentliche mitzunehmen. Die größte Inspiration aber ist meine Liebe zu Espressomaschinen (Griff) und Fahrradkomponenten (Klemme + Metalldraht), die die wendige und tragbare Natur der Leuchte betonen.
Die Kernidee des Entwurfs ist es, die Lichtquelle mit einfachen Mitteln vom Boden auf eine bevorzugte Höhe zu heben. Ein Metallstab bildet den Sockel der Leuchte, während eine Aluminiumklemme alle Komponenten mit einer einzigen Schraube und einem Inbusschlüssel verbindet. Da statt Batterien ein klassisches Kabel verwendet wird, hat die Leuchte eine längere Lebensdauer. Der Lampenschirm aus robustem Kunststoff ist widerstandsfähig gegen versehentliches Herunterfallen. Zudem lassen sich alle Komponenten von SPOT austauschen oder reparieren.
Rafael Horzon studierte Vergleichende Literaturwissenschaft, Philosophie und Atomphysik in Paris, München und Berlin. Nach dem Abbruch seines Studiums absolvierte er 1996 eine Ausbildung zum Paketzusteller bei der Deutschen Post. Anschließend gründete er zahlreiche Unternehmen und Organisationen, darunter die Wissenschaftsakademie Berlin, das Deutsche Zentrum für Dokumentarfotografie und zuletzt das Deutsche Design Museum. Er ist Autor mehrerer Bücher; sein autobiografischer Bestseller Das Weisse Buch wurde in zahlreiche Sprachen übersetzt. Rafael Horzon lebt und arbeitet in Berlin.
TEUBER KOHLHOFF ist ein Studio für Textil- und Innenraumgestaltung, gegründet von Anna Teuber und Franzi Kohlhoff 2015 in Berlin.
Die Aufträge des Studios reichen von Druck- und Mustergestaltung über gewebte oder gestrickte Interieur-Produkte bis hin zu räumlichen Installationen. Mit großem Interesse an einem lebendigen Dialog zwischen Archetyp und Experiment schafft das Studio kraftvolle Narrative und herausragende Projekte. Ein fundiertes Wissen über Materialien und Fertigungsprozesse ermöglicht bewusste Gestaltungsentscheidungen sowie einen sensiblen Umgang mit den Produktionsmitteln. Im Streben nach individuellen Lösungen und höchsten Standards arbeitet das Studio eng mit hochwertigen Web- und Strickereien sowie einem vertrauten Netzwerk aus Manufakturen und Architekten in Deutschland und ganz Europa zusammen.
LOEHR ist ein Label für Möbel und Objekte aus Berlin. Gegründet von drei Brüdern — David, Leon und Julian — ist es eine Marke, die auf den Werten der Verbundenheit aufbaut. Die Produktkollektion, geprägt von architektonischen Kategorien und Methoden, entsteht mit dem Anspruch, kompromisslose und bessere Räume zum Leben, Arbeiten und Sein zu schaffen.
Frank Oehring lebt und arbeitet als Künstler in Berlin. In seinem Kreuzberger Atelier schafft er ein breites Spektrum an Werken für den öffentlichen Raum, darunter großformatige farbige Wandreliefs, Lichtobjekte und freistehende Skulpturen für öffentliche wie private Räume.
Nach einem Malereistudium in den 1960er-Jahren an der Hochschule der Künste in Berlin entwickelte Frank Oehring komplexe Neonskulpturen und schuf in den 1970er-Jahren das Informations- und Leitsystem sowie die 10 Meter hohe Große Lichtplastik für das Internationale Congress Centrum (ICC) in Berlin.
Diese frühen Arbeiten wurden in dem vom ZDF produzierten Film „Neon Licht Kunst — Objekte, die leuchten“ dokumentiert, neben den Künstlern Stefan Antonakis, Cork Macheschi, Bruce Nauman und Frank Oehring als einzigem vertretenen europäischen Künstler. Seit den 1990er-Jahren schafft Oehring Raumobjekte aus Aluminium, Farbfeldskulpturen sowie Reliefs aus sphärischen Flächen und Streifen. Diese Werke sind wie Leinwände bemalt, mit pulsierenden Farbfeldern, die je nach wechselndem Licht in der Tiefe zu leuchten scheinen.
Diese abstrakten Farb-Licht-Klang-Kompositionen verwandeln sich fortwährend mit dem wechselnden Tageslicht. Ausstellungen u. a.: Modus Berlin, Glyptothek München, Retrospektive in der Berliner Festspielgalerie, Akademie der Künste Berlin, DAAD-Galerie Berlin, Aedes West Berlin, Erweiterungspavillon der Aedes-Galerie Berlin, Brandenburgisches Landesmuseum für moderne Kunst, Kunstgewerbemuseum der Staatlichen Museen zu Berlin.
Seine Werke befinden sich in Privatsammlungen.
Flow ist ein Display-System aus Stahlrohr, das sich dank seiner einfachen und modularen Beschaffenheit nahtlos in unterschiedlichste Räume einfügt. Die Struktur verwischt die Grenze zwischen Design und Kunst und kann zugleich als leere Leinwand für Kreative dienen. Es ist eine elegante und funktionale Ergänzung, die die Lücke zwischen den Kreativbranchen schließt: mühelos ohne Werkzeug montiert, in Minuten zerlegt und praktisch flach verpackt für den Transport. Aus drei Modulen lassen sich zahlreiche Konfigurationen erstellen: ein einfacher Hängeständer, eine Ecke, eine kreisförmige oder lineare Anordnung oder eine labyrinthische Abfolge.
Flow denkt ein neues Bauhaus-Produkt aus heutiger Perspektive, denn die Kultobjekte waren überwiegend Stühle, Lampen oder Tische. Von zwei Master-Absolventen der Bauhaus-Universität Weimar entworfen — in einer ähnlichen Position wie etwa Wilhelm Wagenfeld (Wagenfeld-Lampe) — stellt das System die Fragen: Was macht ein Produkt zur Ikone? Können wir heute noch einen Klassiker entwerfen?
Beads ist ein funktionales Kunstwerk, das gleichzeitig in der digitalen und der physischen Welt existiert — es pendelt zwischen beiden Realitäten und spielt mit den Normen von Wert, Virtualität und Übertragung. Die Anatomie der Serie ist von der frei schwimmenden Qualle und ihren organischen Bewegungen im Wasser inspiriert. Das blütenförmige Verbindungsstück und die acht Beine, von lokalen Kunsthandwerkern in Istanbul handgefertigt, erzeugen ein bewegtes, verführerisches und charakteristisches Erscheinungsbild. Die zerlegbare Struktur ermöglicht effizientes Verpacken und Versenden. Beads ist eine Folgeserie zu Paleworks’ Bauhaus-inspiriertem, modularem Display-System Flow.
Machine Light — Designer und Macher Ben Raine entwickelt und produziert rohe, elegante, dekonstruierte Leuchten, inspiriert vom Brutalismus und von Designern des frühen 20. Jahrhunderts. Gefertigt aus offen liegendem Metall und linearen LED-Leuchtmitteln, entsteht ein neuer, ultramoderner, minimalistischer Industriestil. In Berlin mit größter Sorgfalt von Hand gefertigt und die Unvollkommenheiten der rohen Materialien bewusst annehmend, ist jede Leuchte ein Unikat, das gemacht ist, um zu bleiben. Machine Light konzentriert sich auf Sonderanfertigungen und Kooperationen.
Die Undercurrents-Objekte vermitteln die stille Kraft und die endlosen Rhythmen des Wassers und übersetzen das Flüchtige ins Physische. In Stein gefasst, fangen diese Wellen das vergängliche Schauspiel eines fallenden Tropfens ein — von der glatten, spiegelartigen Oberfläche, die er stört, bis zur kraftvollen Woge, die allmählich in Ruhe übergeht.
Jede Skulptur verkörpert Schichten gelebter Geschichten. Geformt aus gebrauchten Betonpflastersteinen mit vertrauten, alltäglichen Mustern, zeigen sie, wie die Vergangenheit neu erblühen kann, und fangen Zeit und Bewegung in einem einzigen Moment ein. Durch Schleifen und Polieren offenbart der Beton seine inneren Schichten und Farben; Überreste konstruierter Stadtgeschichte treten als Readymade-Terrazzo zutage. Die zugrunde liegenden Zuschlagstoffe schimmern und tragen zu einem polierten „Wet-Look“ bei, der die Illusion von Lebendigkeit verstärkt.
Diese Verbindung natürlicher und urbaner Elemente erzeugt ein Wechselspiel, das sowohl die Kraft der Natur als auch urbane Strukturen widerspiegelt und die Grenzen zwischen dem Physischen und dem Imaginierten verwischt. Gerahmt und getragen von einer Edelstahlstruktur, erhebt sich jede Skulptur und reflektiert das Sonnenlicht. Aus jedem Blickwinkel verschiebt sich das Lichtspiel, als flösse Sonnenlicht durch die Wellen des Objekts. Diese dynamische Qualität lässt den Betrachter die kühle Stille des Wassers und den sanften Tanz von Licht und Schatten auf seiner Oberfläche erleben.
Durch die Integration wiederverwendeten Materials und die Darstellung eines Naturphänomens im urbanen Kontext verwebt Undercurrents Vergangenheit und Gegenwart, Material und Imagination und greift „The Reality of the Virtual“ auf, indem es natürliche Konzepte über digitale Technologien in greifbare Formen überführt.
Tina Roeder wurde 1975 in Deutschland geboren. Sie studierte an der Central Saint Martins in London und schloss 2000 mit einem Bachelor ab. Anschließend erwarb Roeder 2004 ihren Master an der Design Academy Eindhoven unter Droog. Nach ihrem Abschluss sammelte sie Erfahrung bei Studio Job in Antwerpen und gründete 2007 ihr eigenes Studio in Berlin, wo sie bis heute lebt und arbeitet.
Lea Roesch ist mein Name und der Name dieser Marke. Alles begann mit einem Mantel — einer Form, die zu jedem weiblichen Körper passt, einem Design, das jeder Frau steht. Im Bewusstsein der Defizite der Modewelt konzentriere ich meine Arbeit auf Deadstock und nachhaltig produzierte Materialien. Ich produziere nur in limitierten Mengen, um jede Überproduktion zu vermeiden. Jedes Stück wird entweder direkt im Studio in Berlin oder von Taschenmachern in Deutschland gefertigt. Das Design entwickelt sich in kleinen Schritten — eine kleine Änderung im Material, die Länge eines Ärmels. Immer mit dem Fokus, zeitlos zu sein und Stücke zu schaffen, die gemacht sind, um zu bleiben.
imagecredits
ICC Frontansicht, © Berlin Partner/Eventfotografen.berlinICC Rolltreppen schwarz-weiß, © Andreas GehrkeICC Detail Rolltreppen lila, © Andreas GehrkeICC Seitenansicht, © Berlin Partner/Eventfotografen.berlin